爱乐透彩票|爱乐透彩票平台_Welcome:【Cello】大提琴普及帖涉及各类有关大提琴的信息

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  大家好,两年前在我还没有走上专业道路的时候我曾经来过这个贴吧来发一些普及的帖子。后来离开了是因为多方面的原因,因为认为自己不专业而没有资格给别人说教;也因为当时的一些争论导致了很多的不愉快。两年过去了,我成功的进入了专业的道路,也开启了新的世界,了解和学习了我以前从未接触过的知识和理念。

  我认为大提琴是一个声音非常好听的乐器,人们喜欢大提琴的声音是有道理的,因为它的频率与人声相近。我希望借由此贴来做一些普及的工作,由浅入深,把我学到的和自己领悟到的东西分享给大家。可能一开始还是一些常识性的东西,慢慢的就会进入专业的领域(但不会影响每个老师的教课进程)。我想做的,不仅仅是希望普及大提琴这个乐器,而是希望分享给大家我对大提琴,以及音乐欣赏上一些建议和想法。

  由于音乐专业真的很忙很忙,所以我尽可能的每周更新一次,如果时间真的不允许,可能会两周更新一次。

  在本帖中涉及个人偏好的话题,我们可以共同讨论,但是为了避免争吵的情况,希望我们可以在发表自己观点的同时,给对方的想法留有一些余地。

  由于时差以及不能时刻用电脑上贴吧的关系,有些回复会来的很晚,请各位谅解。

  各位可以在本帖中提问或者交流,但是如果在帖子回复中出现过很多次的问题,可以参考他们得到的答案或者讨论出的结果。

  如果有一些涉及私人信息的问题,可以私信我,因为之前我在帖子下面留过自己的微信,然后有很多乱七八糟的人来加我,导致我到今日仍然很困扰。

  我不想用很学术的方式去解释大提琴是怎么来的,大家只要记住一点就可以了:以前的大提琴没有尾柱,是夹在两腿之间拉的。那个时候的大提琴,我们现在成为巴洛克大提琴,如今巴洛克大提琴的演奏已经从大提琴中分离出来,成为一门专业了。

  有一种学术说法是:大提琴的前身是低音维奥尔琴,但是据我所知,这种说法有一些争议。所以在这里,我无法明确说大提琴是由何演变而来。

  大提琴在乐团中的作用非常重要,有些人认为大提琴不是旋律声部,在乐团排练的时候也不会单独去听,大部分时间都是坐在那里听一提琴或者木管去一遍一遍的演奏。实际上大提琴在乐团中的角色相当于人体中的骨骼,而旋律声部相当于人体中的肌肉,如果没有骨骼支撑,肌肉即使再结实丰满,也只是一滩肉。

  大提琴的乐器中的地位在20世纪明显提升是因为一位里程碑式的人物——姆斯提斯拉夫 罗斯特罗波维奇。因为老罗的存在,使大提琴从伴奏声部逐渐走向了独奏的舞台。

  而对于中国人来说,越来越多的人认识大提琴是因为三个人:马友友、林志玲、欧阳娜娜。

  马友友不用多说:华裔大提琴家,即使他是美国人,也让更多中国人认识到了大提琴作为独奏乐器的存在。

  林志玲:《第101次求婚》这个也不用多说,我认识很多人——尤其是女孩,因为林志玲在电影中的角色而认识到了大提琴。

  欧阳娜娜:目前最受争议的大提琴演奏者,但是我个人认为,就最近的新闻来看,她应该算是拉大提琴的人生赢家。目前已是名利双收,而且又开始了追寻音乐梦想的道路。很多圈内人士,尤其是音乐专业的学生认为她浪费天赋去演戏,但是很多专业学生,在假期时间成天去跑场炒更,同样也没有练琴。所以,为了避免争论,对于她我不便做过多的评价。

  在最近几年中,这是我听到的最多的问题,可能也是所有大提琴的老师解答的最多的问题。

  让我换一个角度来理解:我有没有学大提琴的天分?如果我学了大提琴,会不会拉的很好或者很不好?

  如果是儿童,那么我的要求就是,四肢健全,没有背部神经损伤。如果满足以上条件,就可以学。

  在此基础之上,如果我看到一个孩子具备:身高臂长、机灵聪明、唱歌不跑调其中的一项以上,那么我会认为这个孩子具备走专业的可能性。

  如果以上条件都满足,或者满足其中一两项,甚至一项都不满足,但是具备:性格明显(活泼或者内心细腻)、性格坚韧、求知欲强、协调性好、家长负责的其中一项,那么我认为这个孩子以后有可能是一个很优秀的专业学生;如果具备其中两到三项,那么我认为这个孩子有在职业道路上走的很远的可能性。

  如果是成年人,如果她具备:态度端正、能够合理安排时间、可以牺牲当前的其中一个爱好、有足够的资金储备、具备很有说服力的学琴原因其中的一项,我认为可以学;如果具备其中两项,我认为可以学习一年以上的时间;如果全都具备,那么恭喜你,大提琴很有可能成为你今后人生的一部分,并且会拉的很好。

  这个问题我之前也思考了一阵,为什么大提琴老师学成以后并不会回馈家乡,而是留在大城市。答案其实很简单:大提琴演奏者也是一个职业,是需要有职业发展和市场的,所以需要留在大城市寻求更好的发展机会。因为他们以此谋生,所以放弃现有的高薪去回到家乡从事普及工作,拿着可能谋生都困难甚至并不稳定的收入是不现实的。

  唯一的办法就是找到附近的大城市里面的老师,因为大提琴课基本上是每周一节,所以不会花费过多的精力。我在北京上课,因为交通情况,每次路上也要花费4-5个小时。

  如果是一个已经有一定基础的学生,并且在老师的评定之下并不存在技术动作问题,甚至可以很快调整新的老师要求的姿势,那么视频授课是可行的,但是基本这样的学生需要3-5年的专业训练;否则不可行。

  这个答案是否定的。很遗憾,大提琴不是数学题,不能拿到一本教材死背公式就可以做出与之相关的题目。

  最直观的方式,就是看他的学生的水平,如果他的所有学生,不论学了多长时间,水平都不高,那么这个老师水平也不会高;如果学生水平参差不齐,那么这个老师有可能是个负责的老师,但是教学方法不是所有的人都能接受;如果这个老师所有的学生水平都很高,那么这个老师应该是个名师,你也不用去判定了。

  如果这个老师上来就教你流行歌曲,那么这个老师多半是个外行,没有受过系统训练;如果这个老师三个月只让你拉空弦,这个老师有可能是一个有很多年教学经验的古板的老学究或者是一个没有什么经验但是基本功很扎实的年轻教师;如果这个老师在前三个月让你练了空弦,音阶,练习曲并且对于你所有细微的错误都指正并且揪住不放,那么恭喜你,这个老师你可以放心的跟他学很久。

  我个人的建议:请不要向另一个老师描述你当前老师的教学情况和进度,这个圈子很小,你的话可能会传到他的耳朵中,并且会影响他和对他做出评价的老师的名声。

  我认为,学琴的进度和步骤没有一定之规,好的老师也会根据学生的特点和天赋来进行不同的安排。如果你询问了另一个学生的学习进度,你可能会认为自己的孩子进步过慢,甚至不适合学琴,但事实上可能恰恰相反。

  如果详细的针对这个话题来讲解,篇幅可以长到我另外单开一贴,但是对于拉琴的人来说,这并不必要,也不是重点,所以我只挑重要的说。

  首先我要明确的是,目前中国的大提琴市场并不规范,一万块钱的琴实际价值有可能是一千块钱,也有可能是八千块钱,但绝对不可能是一万五。

  也就是说,在我们买琴的时候,有一件事情是肯定的:那就是,制琴师或者琴行是要赚钱的。所以我们不可能指望从他们手里买到物超所值的琴,我们能做的就是用最少的钱买到价值最高的琴。

  举个例子来说:北京某提琴工作室(我在这里给他留个面子,不说是谁了)用工厂代工的低级欧料琴,谎称是顶级欧料手工琴(在这里,我的猜想是,可能制琴师根本不知道这块料的好坏,所以他买料的时候也被坑了,因为他也不是系统的学过做琴)卖给非专业的人士。价格与另一位高级制琴师相似(该制琴师每年基本只出两到三把琴,而某工作室一年可以出到40-50把)。而某非专业人士在购买工作室的琴后一年发现该琴质量有问题(由于工艺和材料问题导致琴板开裂)希望找其退货,而该工作室以”只换不退“为由,用一把川料琴冒充欧料琴将原来那把有问题的欧料琴换回。整个过程中,该工作室态度良好,不卑不亢,旁观人看起来会以为是买家没事找事,而卖家以德报怨。

  所以我的建议是,让你的老师帮你买琴。老师帮你买琴,老师会从中赚取一些中间费,但是这个中间费,绝对不会高于你自己买琴损失的钱数的五分之一。 加入你自己买了一把一万的琴,琴的实际价值可能只有2000或者4000;如果老师卖给你一把一万的额琴,琴的实际价值可能是8000。

  最后说一点,无论什么情况,千万不要去琴行买琴!99.99%的琴行是不可能有实木琴的,更不用提手工的实木琴。即使漆涂得再好看,也是三合板。

  以打篮球来举例,因为我个人有过专业篮球训练的经历(关于这一点我建议各位不要效仿,因为打篮球有可能会造成手指的损伤,从而无法继续拉琴)。国内外的篮球教练在挑选优秀的人才时,因为无法了解到性格以及智商等方面的能力,所以只能从外在的天赋进行挑选,大家都知道,个子长得越高的人,越有可能在比赛场上有更好的表现,尤其在防守一端,高个子的运动员会给进攻球员带来更强的防守压力。这就造成了行外人对于篮球的一个错误认识:只有个子高才是打篮球的天赋。但是从另一方面来说,在赛场上表现好的人却不一定个子很高。然后我观察了一下NBA中表现非常突出的一些球员,我发现了他们异于常人的地方并不是身高,或者运动能力。而是他们的性格和篮球智商。

  同理,在大提琴中,人们普遍会认为,手大,手指长,胳膊长,或者天生乐感好的人是具有决定性天赋的。但是我接触到的世界级的演奏家和乐团的音乐家,他们的身体天赋参差不齐,有些人的手指长度可能只有一般人的水平,很多人在学习乐器之前可能唱歌还会跑调。那么是什么使他们取得成功呢?我的猜想是,他们具有超乎常人的理解能力,学习能力以及异于常人的性格特点。每一个音乐家在台上都有自己非常明显的性格特点并且完全显露无疑。

  就我个人而言,我本身的天赋属于中等偏上,我的手指比正常人长一些,但是不足以起到决定性因素,在我学琴之前,唱歌也会跑调,更重要的是,我在学习初期无法听出我拉出来的音准确与否,根本没有音准的概念,而且节奏一片混乱,而且我本身属于性格内向的人,对于情绪的表达能力基本属于零。但是我的优势在于,左右手的协调性很好,同一个曲子我可以用以前没有尝试过的,完全不同的弓法一次完成演奏,理解能力比正常人好一些,老师说的事情我可以在三遍之内完全做对并且记住,学到后来我发现,在大家都坚持不下去的时候,我反倒觉得更有意思。

  所以,我个人认为如果要给天赋分一个等级的话,能够成为音乐家需要具备的顶级天赋只有两个,一个是性格,一个是韧性。那么如果要是想成为一名优秀的乐手,那么需要具备的可能是乐感和节奏感。如果你只是抱着兴趣学琴拉给自己听的话,那么你可以不用具备任何天赋。

  也就是说,即使你具备了以上所有的条件,没有刻苦的练习,他们就只是一些零碎的能力,而不是整合起来能够展现给人们看的天赋。

  乐器的演奏是有人体大脑刺激神经,然后传送信号到肌肉完成动作的过程。那么这中间就涉及到两个步骤,一个是大脑发送的信号,一个是锻炼形成的肌肉记忆。

  咱们还是拿篮球来举例。即使你知道了投篮的所有动作要领,在练习的慢动作下可以完美的完成,但是却无法在比赛中投进,就是因为你在比赛中提供给你的完成动作的时间,远远小于你所需要的。而在练习中你要做到的,就是通过不断的重复练习来实现条件反射,形成肌肉记忆,因为之所以你会花很长时间去完成这个动作,是因为你的大脑发送信号并不明确,你的大脑需要进行运算去决定发送什么样的信号,而大脑完成运算的时候,时间早就过去了。所以我们需要达到在实战中跳过大脑运算这个环节,直接从发送信号开始。这也就是我们所说的条件反射。

  在练习的时候,如果你知道弓子要拉直拉满,并且在慢动作中做到了这一点,这并不代表你可以在乐曲或者练习曲中也能做到。你要做的是,重复练习这个满足要求的标准动作,直到你可以不用思考就可以完美的按照乐曲的速度完成。这就是我所说的练习的意义所在。

  至于练习的频率和时长,如果你一周有总共有7个小时的时间可以分配给练习,那么我的建议是你每天练一个小时,而非攒到周末疯狂的练习一整天。

  如果你在动作完全正确的情况下,认为该项练习过于无趣,那么说明你需要立刻开始下一项内容。跳出自己的舒适区,如果你的肌肉没有任何感觉,说明练习的效果并不好。

  再举个例子,大提琴中标准的空弦练习应该是在指板与琴码中间的位置进行练习,但是如果我认为我可以在这个位置轻松完成,那么我就需要去挑战我自己,将弓子平行往下移动进行练习。越靠近琴码,弦越难震动,但是一旦弦进行完全震动,幅度将会越来越大,声音的穿透力也会越来越强。

  我个人每天的空弦练习是在距离琴码5mm以内的地方,每根弦练习5分钟,一共20分钟,这中间是不允许有任何停顿和休息的,这项练习非常累,因为在琴码附近去练习不光需要正确的动作来保证弓子是直线运动,还要施加给弓子相当大的向下的压力使弦完全震动开。一旦我能够做到这项练习20分钟不间断,因为从始至终没有任何变化,这种状态保持一个星期左右,那么我就需要给自己增加练习的时间。

  总之,如果你决定要学琴,那么你决定的不光是拿出一部分钱,还要拿出相当一部分时间。

  很多人会认为我从小找了很好的老师学琴,练了十几二十年,那我应该算专业的了吧;也有人进入了音乐学院(进去的方式有很多种,有靠实力的,也有靠关系的,但是目的都是要学音乐,这个无可厚非),那我应该算是专业的了吧。

  其实我认为专业和业余并不是看你的出身或者是经历,而是实力。这种实力不是说你拉的多么快,音多么准,节奏多么准。

  我认为的是,你所具备的专业性,表现在演奏方式、练习方法和职业态度这三个方面。如果你认为,这三方面你可以做到自己可以做的最好,那么即使你的技术不是很娴熟,你也可以说自己是一个专业的学生;但是如果你很会拉琴,各种技巧都不在话下,上面的三样却一样都没做到的话,那么我只能说你是一个会发出大提琴声音的精密的机器;如果你的技术不是那么好,也没在上面那三方面上下功夫,那么即使你进入了音乐学院,也是一个业余的选手。

  专业的学生在学习乐器专业的同时,也需要进行乐理的学习和听音视唱的训练。这是音乐专业体系中最基本的一环。在此之上,你所选的老师走的路线,同时也是你要走的路线,(这是很多国内学生的误区,大家出了国都会选择名校,比如茱莉亚,柯蒂斯这种,但是据我所知,很多学生并没有想过自己要跟哪个老师去学,而是抱着只要能上这所学校就行了,导致自己的特点与老师的路线不符,自己学的很不舒服,老师放弃了培养。)都是体系的一部分。

  我在上专业课的时候,有时候会失误,也会有一整句的音不准,关于这些错误,我老师都不以为然。但是如果我没有管他要谱子,而是管其他人要了谱子,他就会大发雷霆,因为上面的弓法和指法不是他的。这是一个很典型的例子,如果你跟了一个很有名的专业老师,你需要知道,你要跟他去学什么。

  我不知道其他人是如何上课的,我上课的时候,真正讨论技术技巧的时候很少,更多的时候老师在跟我描绘音乐所表现出来的场景,然后让我自己去表达。很多外行人会觉得这个老师不干正事,不负责任,但实际上他教我的东西远远比基本技术重要许多。

  很多人拉琴到了一定程度以后,会自我欣赏,在练习的时候也是一样。最典型的例子是,一首曲子,一遍一遍从头到尾过,遇到熟悉的,自己拉的很好的地方,就会尽情的展现;但是遇到自己的困难片段,就会放慢速度,放弃了音乐和感觉。这是很低效的练习方法,如果你一个小时一遍一遍的过,不如集中练习困难的片段十分钟。

  这个问题涉及两方面。第一个方面是针对细节的要求,这一方面也涉及第二条中的练习方法,比如说,某一个小节的换弦不够圆滑,使音乐线断了,让这一句听起来像是两句,有些人会觉得这个小地方并不重要就直接跳过去了;但是如果你是一个具有很好的职业态度的学生,那么这个地方恰恰是不能放过的,因为细节往往是决定两个人水平高低的关键。

  另一方面,就是对于看起来对自己专业没有那么大帮助的活动,比如乐团。说实话,我个人认为乐团待时间长了确实不会长很多技术,这些时间用来练琴,技术可以增长一大块。但是乐团中也有需要学习和增长的技术和能力,其实这一点整个国内的音乐学院做的都不够好。

  我上周因为乐团排练的关系,导致非常的疲劳。虽然说5天30个小时的强度并不是很大,但是如果每天连续坐在同一张凳子上6个小时会给心理本能的带来一种倦怠感。并且大提琴并不是乐团排练时候的重点对象,很大一部分时间是在听。这就导致我们会认为在乐团排练是浪费时间。但是,会造成这种现象的原因是你只盯着你自己的谱子在看,其他声部排练的时候你并没有认真在听。如果你把整个乐团看作一个整体,就像指挥一样去学习整首乐曲的每一个细节,各个声部的节奏,旋律,以及进来的时机。在演出的当天可以做到不用看指挥就能自如并且准确的进入,这才是在乐团的目的。外国的乐团,每一个声部的每一个人,在带妆彩排以后都可以准确无误的唱出各个声部的旋律以及衔接。

  最后我要说的是,专业和业余虽然是有明确的界定标准,但是这个标准并不是进入音乐学院或者是从音乐学院毕业。我了解到的,就国内而言,很多音乐学院研究生毕业的专业学生,可能根本无法称得上专业。

  音乐在我看来是一种语言,就像英语、法语、日语或者是吐火罗语甚至是外星人的语言。

  而乐曲,就是把这些技巧结合起来,用某种特定的方式排列,从而可以表达作曲家的意图和情感。

  如果你看一本中文小说,你可以很容易的感受到其中的情感和场景;但如果是一本外文小说,可能就要仔细斟酌。这是因为你对其他语言并不熟悉。

  如果你要朗诵一篇文章,你的感染力一定没有演说家强,因为演说家不光理解来了文章的意思,还用自己的能力将文章中描写的细节扩大,让听众可以感受到。

  如果演说家的例子不够明显的话,我们生活中可以看到一些例子,比如同一个笑话,有些人讲了是平平无奇,但是有些人讲了却可以让人笑个不停。因为讲出来的方式不一样。这个方式包括发音,顿句,重点的强调以及对听众意识的引导。

  1. 技术不够扎实。在表演音乐的时候,我们需要用各种技巧来表现不同的声音。比如说:弦乐器为例,如果我们需要温暖的声音,那么揉弦的部位就要尽量的靠近指腹,使揉弦面积增大;如果我们要沧桑的声音,就要增大按弦的力度;如果我们要很远的声音,就要很小的弓压却要快速小幅度的揉弦,如果我们要激烈紧张的声音,就要在弓速、揉弦频率和幅度上都尽可能的加大。这些技巧是我们需要在日常练习的。

  2. 技巧的使用时机和方法不正确。有时候我们知道需要用一种技巧来表现具体的意图,但是却用错了技巧,这是很常见的情况。因为人是有本能的,如果头脑不够清晰,拉琴就会跟着本能走,也就是我们所说的失控。那么这个时候大脑内是没有任何目的的,表达出来的效果多半也是不合适的。

  3. 没有真正了解作曲家的意图。这个原因也很常见,尤其是在中国。这是因为我们一开始学习乐器的时候并没有被告知该乐曲的各种信息,老师的要求一般就是你只要拉准就可以了。长此以往造成了拉琴不问原因的习惯。 在音乐专业中有一个词叫做synesthesia,听起来很复杂的词,简单说来就是你听到旋律闹钟可以自然本能的产生画面。在学习乐器之前,理论上是要具备这种能力的。所以我们要想理解作曲家的意图,就要首先锻炼这种能力。

  4. 张力不够。很多时候可能你认为你已经做出了对比或者效果,由于这种对比和效果很小,

  但是在你的意识中被放大了,会有一种“为什么我做出来了别人却没注意”的感觉,这就是我们所说的张力,张力是评判一个演奏家技术高低的重要因素,在某种意义上,张力可以约等于感染力。尤其是场地越大,张力就要越大,因为听众听到的效果,会在你听到的效果上至少打个七折,甚至是五折。

  还有一点,是与声音无关的。如果老师说你“声音不错,但是没有感染力”,或者是“你拉的还行,但是不够投入”,那么这时候的原因可能是由于有人在听,你的潜意识进入了一种“不能犯错,稳定优先”的模式,你会放弃一些音乐上的表现来追求稳定性。造成这种潜意识的原因就是我们说的紧张。我个人的建议是,演奏的时候不要低着头,要与听你演奏的人进行交流,可以是眼神上的,也可以是动作上的(但是不要漫无目的的左右摇晃),这样就可以让你更加投入。一旦你进入了音乐的zone,那么紧张感就会消除,并且可以将你对音乐的神经放大,让你更好的感受音乐

  关于这件事情我思考了非常久,大概两年的时间,见过无数的家长和学生,回答过无数的类似问题。

  每一个成人,尤其是孩子家长,在学琴之前或者让孩子学琴之前,最关心的问题就是:我的孩子到底适不适合干这个?到底有没有天赋?

  每一次遇到这个问题,我都会回想我一开始学琴的时候,是否思考过类似的问题。

  我不知道天赋到底是什么,但是我知道,从某种意义上来说,过度的重视天赋会成为进步的最大阻碍。

  “天赋帮助了我,但是天赋并不是成为现在的我的决定因素。” ——姆斯提斯拉夫.罗斯特罗波维奇

  纵观艺术历史,我们可以看到无数位天才的艺术家青史留名;但实际上,具有远超过他们天赋的天才却默默无名的人比比皆是,他们多半最后放弃了。

  据我所知,只有中国人才会如此重视天赋。我在美国有一段时间了,从来没有听过任何一个学音乐的或者是学生家长会问其他人:“你觉得我,或者我的孩子是不是有天赋的?”类似的问题。

  但是根据我被问到的问题总结出来的,我猜想可能是:如果有天赋,那么我可以学,如果学不出来,那就是我天赋不够;如果没有天赋,那我就不学了,反正我也学不出来。

  但是从来没有一个人提到“努力”一词,这与国外非常不一样,国外对人最大的夸奖就是“努力”

  如果说身长,手大,胳膊长是天赋的线年的老柴银奖Martti Rousi确实是这样的例子,他的天赋帮助他赢得了世界第一比赛的银奖;但是同年与他并列的银奖Suren Bagratuni,他只有1米68,每根手指的长度比我短大概两公分,他同样也拿到了世界第一比赛的银奖。

  如果说世家是天赋的话,马友友从出生开始就处在古典音乐的环境里,帮助他拿了多次格莱美的大奖;但是郎朗的家庭,除了他没有任何一个人是跟音乐有关的。他们都是世界级的大师。

  那么,还有什么是天赋呢?可以说数不胜数。天赋可以成为你成功的原因;但是更多情况下,天赋只是你失败或者放弃的借口。

  每个人对努力的定义不一样,有些人习惯了成天无所事事,如果拿出一个小时来练习,他就会认为自己很努力了,因为他对辛苦的接受程度低;有些人本身就很刻苦,可以练习4个小时,那么如果每天练习6个小时,对他来说也不能算作“非常努力”,因为这还没有到他的极限。

  你是否能每天持续进步,取决于你是否跳出了舒适区。如果你每天觉得日子很幸福,那么多半你是在走下坡路;如果你觉得每天的生活既艰辛又有趣,那么一段日子以后,你就会让人刮目相看。

  真正决定成败与否的天赋,是每个人都具有的,那就是性格。如果你是一个坚韧不拔的人,那么到最后你一定比习惯浅尝辄止的人学的好。

  来学习了。孩子一年级,老师说让孩子们报大提琴和小提琴,参加乐团,但是小提琴很快报满了,大提琴说是有没有基础都可以报,我们就让孩子报了,现在正在学习买什么样的琴,以及孩子适不适合。孩子性格比较外放,但是也很敏感。手指比较短小,身高算是中等,唱歌会跑调。目前的打算是先让她去培训机构上一节试听课看看,再决定要不要买琴

  我知道所有人都知道基本功很重要这个道理,但是却很少有人意识到它真正的重要性—它决定了一切。

  上周,休斯顿的城市某交响乐团的乐手做了一个访谈给毕业即将走上职业道路的学生们。一个小时的访谈中,弦乐乐手提到最多的两个词,就是音阶和琶音。他们已经是成功举办过个人音乐会的,甚至有在音乐比赛中获奖的,他们仍然需要练习音阶和琶音。交响乐团中的贝斯手说:“我每天排练之前,要练习5-6分钟的音阶和琶音,而琶音的练习比例高一些。”

  而乐团中的小提琴手说:“我每天练习音阶和琶音的时间在1个小时左右,如果我今天非常的忙,只有一个小时的练习时间,那么这一个小时我将全部用来练习音阶和琶音。”

  咱们回到那个茶壶和水的问题,扎实的基本功代表你有足量的水。而我们的乐曲就是各种形状的容器,水放进去以后就会变成容器的形状;但是如果水不够多,那么容器的形状就会少一部分。

  所以在音阶和琶音没有练好之前,拉乐曲是天方夜谭,即使是一个技术成熟的专业演奏家,也需要每天练习来保持状态和机能。

  音阶是两者相对来说容易做好的一项练习。音阶练习的是每个把位的手指间距和换把位的动作。

  而琶音是练习的是真正的在没有把位标记的情况下能够准确找到每一个音的能力。这就是为什么大提琴没有品格却可以按准,因为琶音可以起到训练的作用。

  我知道很多人觉得曲子很很难,尤其是大型的曲子,练习这样的曲子时间已经不够,哪还有时间练音阶琶音。

  如果你把一小部分练习曲子的时间分到音阶琶音上,你的曲子也会在无形之中进步。

  如果你不知道你一个调的音阶和琶音是否练好,你可以找人帮你,或者你自己测试一下:写下一连串毫不相连的音符,然后照着写下的音符拉出来,每个音符之前的跨度越大越好。如果10个音中你有两个以上的音没有拉准,那么你需要继续练习。

  ·如果你去问一个乐器的老师:“我在学习乐器之前该做些什么准备?”或者是”我学乐器的同时需要学期什么其他的课程?“ 老师一定会告诉你:”乐理和视唱。“因为这两样能力决定了你在音乐上能达到的高度,我们学习的乐器只是一个工具,来帮助你说话,你的专业课程只是教你如何熟练的使用这个工具;而乐理和视唱的作用是教你如何在让你内心更加丰富的理解和表达音乐。只会演奏乐器的人,只能称为熟练的乐匠;有乐理和视唱功底的人,才有成为音乐家的可能。

  我来做一个类比:很多人小时候都有成为科学家的梦想,但是长大了以后真正从事科学研究的人可能还不到万分之一,这其中除了现实的因素以外,很大一部分就是因为撞上了“数学“这面墙;也有很多人小时候梦想成为作家,文学家,长大了以后却放弃了,也是因为撞上了”语文“这面墙。

  举一个例子,在平时我们说话的过程中,我们的语速、停顿、强调的重点、以及语调是时刻变化的,这就构成了说话的情绪。即使是同一句话,以上这些因素有其中一个不同的时候,表达的情绪也是不同的。那么如果我们拿到一篇文章,如何表达出作者真正的意思?或者说,如果我们对某一篇文章有自己的理解,如何在这篇文章上做记号,让其他人可以理解自己的想法呢?

  从最基础的来看,文章的基本句子是通过逗号和句号来进行划分的。逗号的作用是喘气,句号的作用是结束当前句子的陈述。

  在音乐中道理是相通的,音乐中的每一个和弦都有自己的功能和作用。其中最基本的来说,属音和弦(V)的作用有两个,如果后面紧跟着主音和弦(I)的话,那么属音和弦的作用是引导,这个时候属音和弦V的引导效果不如属七和弦(V7)明显;如果V后面跟着其他和弦的话,那么V的作用就是喘息的逗号。

  在任何一个超过10小节的曲子中,都是需要呼吸的。这种呼吸第一个是为了积攒能量开始下一句的能量,第二个是为了让自己的右手可以有休息的机会。乐句的重要性在管乐中最为明显,如果一个管乐手不会呼吸,那么这个人基本上吹十个小节基本上就窒息而亡了。

  从这四个小节我们可以看到,这四个小节的和声可以分为两句:第一句到第二小节的第二拍结束,这时候属七和弦起到了引导的作用,而第二小节的两个主音和弦之间就是呼吸的气口,也就是句号。在第三小节的第一个和弦,下属音和弦(IV)是为了属七和弦(V7)的出现做准备。但是在不少情况下,IV也可以作为逗号来进行分句。

  我们在演奏乐器的终极目标,就是让乐器出来的感觉像人声在歌唱。人声与机器最明显的区别,就是人声是有气息的。

  根据十二平均律的系统,我们常见的大调有15个,常见的小调也有15个,每个小调有三种不同的音阶(自然,和声,旋律)。每一个调都有自己的色彩。所以在作曲家想要描绘某种氛围的时候,他首先会根据具体的色彩来确定调性。

  很多人都喜欢听巴赫无伴奏第一组曲的前奏,G大调。在没有听到乐曲之前,演奏者就应该知道需要用一种愉悦的情绪来演奏;而第三组曲的前奏,C大调,演奏者应该以一种光辉明亮的情绪来演奏。

  所以大家有什么问题可以加群询问,但是类似于“我现在20了,学琴还晚不晚”或者是“我想学一个乐器来培养气质,是大提琴容易还是小提琴容易”这类的问题可能会引起群内的反感,抱着这类问题进群询问的请慎重。

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